崇川区群文流动大讲坛合唱讲座

授课：李耀

合 唱 序 言

合唱艺术对人们的精神生活有着强大而潜移默化的渗透力，在各种艺术活动形式中，它最容易被人民大众所吸引，男女老少参与面最广，人数也最多，因而它成为了最具有亲和力的群体艺术。

一、它是一种人声的艺术，人们纵情的歌唱是发自内心的呼唤，歌词大多是人类用以交流感情的语言中最美的精品--诗词构成，必然能引起人们心灵深处的共鸣。二、合唱由几十，乃至几百人组成，各声部的组合，使他们具有了最广的音域、最大幅度的音量变化能力、最丰富多彩的音色，加上丰富的多声部的和声效果，共同创造了最美最和谐的声乐作品，使声音具有了深度、广度和立体感。

三、合唱不同于器乐，用以发音的声带是人天生具有的，这为活动普及开展带来了先天的有利条件。合唱是一种群体艺术，具有很强的社会性和集体性，人们通过共同的艺术创造，培养着每个人的责任感，有一种向心力把个人融为集体的一部分。合唱发出的歌声，在打开人们心扉的同时，也陶冶着每个人的心灵，因而产生了强烈的感召力和凝聚力。

      第一课    中外合唱史

 第一章  世界合唱的历史：

一、古希腊戏剧时期 

合唱最早是起源于古希腊戏剧合唱歌队的应用与中世纪宗教圣咏的发展。古希腊是西方历史的开源，持续了约650年，这个时期也就是我们的公元前800年 - 公元前146年，此时正是中国历史上最长的一个朝代，（姜子牙）周朝。就从那个时候在古希腊开始有合唱这一形式。所以我们知道合唱的历史很悠久了。

我们看图片上 基督教礼拜仪式的唱诵经文,而罗马天主教做弥撒时所用的音乐被称作格里高利圣咏。

格里高利圣咏也称为素歌，它形成于公元8-9世纪。公元6世纪末，罗马教皇格里高利一世为了统一教会仪式中的音乐，将教会礼仪歌曲、赞美歌等收集、整理成圣咏，共收集整理了三千多首歌曲，它后来就被人们称做“格里高利圣咏”。格里高利圣咏只用单声部男声演唱，歌词采用拉丁文，不用器乐伴奏，没有明显节拍，音乐庄重节制，我们下面一起来听一下那个时期最有代表性的格里高利圣咏。

二、文艺复兴200年，15─17世纪 

    西欧的中世纪是个特别“黑暗的时代”。基督教教会成了当时封建社会的精神支柱，它建立了一套严格的等级制度，把上帝当做绝对的权威，什么文学、什么艺术、什么哲学，一切都得按照基督教的经典 《圣经》的教义，谁都不可违背，否则，宗教法庭就要对他制裁，甚至处以死刑。《圣经》里说，人类的祖先是亚当和夏娃。由于他们违背了上帝的禁令，偷吃了乐园的禁果，因而犯了大罪，作为他们后代的人类，就要世世代代地赎罪，终身受苦，不要有任何欲望，以求来世进入天堂。在教会的管制下，中世纪的文学艺术死气沉沉，科学技术也没有什么进展。黑死病在欧洲的蔓延，也加剧了人们心中的恐慌，使得人们开始怀疑宗教神学的绝对权威。那个时期的音乐也慢慢的由服从于宗教的教义发展为人本主义，反对一切以神为中心，抨击禁欲主义，音乐具有更强的世俗化倾向，与文学的结合更紧密。文艺复兴时期的作品，集中体现了人文主义思想：主张个性解放，反对中世纪的禁欲主义和宗教观；提倡科学文化，反对蒙昧主义，摆脱教会对人们思想的束缚；肯定人权，反对神权，屏弃作为神学和经院哲学基础的一切权威和传统教条；拥护中央集权，反对封建割据，这是人文主义的主要思想。

我们来听下那个时期的合唱曲 (双重无伴奏合唱、拉索曲) 《回声》

   我们所听的这首《回声》由世界七大童声合唱团之一的中国交响乐团少年合唱团演唱

三、巴洛克时期150年17─18世纪中叶

巴洛克时期，西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。人文主义思潮继续发展，音乐的主要目的变成了“唤起人的情感”

声乐作品逐渐失去主导地位，新乐器的出现提供了更丰富的表现手段。

巴洛克时期著名的清唱剧《弥撒亚》这首乐坛巨作，音乐之纯高壮丽，使上至君主，达官贵人也需要在演奏到《哈里路亚》乐段时，全部都要树立聆听。

清唱剧《弥赛亚》是巴洛克时期德国伟大的作曲家亨德尔最为著名的作品，作于1742年，"弥赛亚"在希伯来语的意思是指上帝的派遗者，后来用作对耶稣基督的称呼。作品由亨德尔与查尔斯詹南斯共同按《圣经》内容撰成。清唱剧就是以宗教事件或宗教人物为主角的，以管弦乐与人声歌唱为表现形式的大型作品，通常是作曲家根据剧本唱词写作旋律。我们将要听到的这首《哈利路亚》是清唱剧《弥撒亚》第二部分的高潮段，1743年《弥赛亚》在伦敦上演，英王乔治二世亲临剧院，当第二部分终曲《哈里路亚》奏响时，国王按捺不住心中的激动，站起来听完了全曲。由此，《哈里路亚》要站着聆听，便作为一条不成文的规定一直延续到今天。

《奥菲欧》是早期歌剧中最杰出的一部。歌剧是巴洛克时期最重要的大型声乐体裁，它是将音乐、舞蹈、戏剧、舞台融为一体的综合性艺术。

《奥菲欧》五幕歌剧，斯特里乔编剧。这部《奥菲欧》的故事虽然是希腊神话中的传说，但直接素材则取自意大利的古老牧歌剧。是巴洛克初期意大利威尼斯歌剧代表性作曲家蒙特·威尔第在曼都瓦宫廷任职时的歌剧作品。不仅是他初期歌剧的杰作，也是近代歌剧的起点，具有历史上的重要意义。

四、古典主义时期18世纪中到19世纪最大发展期

古典主义指十八世纪下半叶之十九世纪初，形成于维也纳的一种乐派，亦称“维也纳古典乐派”。以海顿（1732－1809）、莫扎特（1756－1791）、贝多芬（1770－1827）为代表。也泛指十七、十八、十九世纪的专业音乐创作。“古典主义”是一个相当不明确的词，它有几种不同而又相关的含义。一种不很恰当的用法是将它指流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。而此处我们所指的是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。

交响曲 海顿在音乐史上占有重要地位，首先因为他是一位交响曲作曲家。他并非交响曲体裁的首创者，早在巴赫和亨德尔的时代，就已有人为这个领域作了准备，开拓了道路。但海顿继承了先辈的成就，确立了交响曲的规范，所以有人称他为“交响乐之父”。

弗朗兹·约瑟夫·海顿，1732年3月31日生于奥地利与匈牙利边境下奥地利的一个村镇罗劳，1809年5月31日卒于维也纳。他的父亲是世代相传的车匠，母亲是贵族府中的厨工，家境贫困，12个孩子有6个夭折，海顿是12个孩子中的第2个。喜爱音乐的父母使海顿自幼受到民间音乐和教堂音乐的熏陶，从孩提时代就显示了出众的才华。他有漂亮的童声高音，不但能模仿唱出他所听到的每首歌曲，而且可以在自制的小提琴上拉出这些旋律

1764年他的作品在巴黎出版，1765年他的名字第一次出现在英国报纸上。1781年结识. ，他已蜚声欧洲。年近半百的海顿与初显风华的莫扎特建立了诚挚的友谊。莫扎特自认为是海顿的学生，声称首先从海顿学习了怎样写作弦乐四重奏；他写了6首弦乐四重奏题赠海顿。海顿也十分倾慕和重视莫扎特的天才，他由衷地承认莫扎特歌剧创作方面的优势。在海顿后期的作品中，也显露了莫扎特音调柔和、感情细腻风格的影响。

他第1次访问伦敦时路过波恩，在那里发现年轻的贝多芬是个天才，表示愿意收贝多芬为学生。1792年，贝多芬前往维也纳拜海顿为师，因两人性格迥异，师生关系为时不长。但海顿还是认为：“贝多芬迟早会进入欧洲最伟大的作曲家之列，而我将为能把自己说成是他的教师而感到自豪。”1795年8月，63岁的海顿第2次从伦敦回到维也纳，继续从事创作。晚年的作品中两部清唱剧《创世记》（1796～1798）和《四季》（1799～1801）为最成功。

奥地利作曲家莫扎特，不仅是古典主义音乐的杰出大师，更是人类历史上极为罕见的音乐天才，有“音乐神童”的美誉。他短暂的一生为世人留下了极其宝贵和丰富的音乐遗产。

  1791年莫扎特与妻子一起到布拉格参加自己的歌剧的演出，动身前的某一天夜晚有位使者造访了莫扎特家，他约莫扎特为一个匿名的委托人创作一部《安魂曲》，并先付了一半酬金，这位信使穿一件灰色的斗篷，使莫扎特顿生莫明的反感，而8月底莫扎特夫妇回到维也纳之后，信使再次出现催逼莫扎特交稿。

这位“黑衣人”全权代表弗兰茨·冯·瓦尔泽格伯爵，伯爵据说颇通音律且喜欢附庸风雅，常常出钱购买别人作品然后填上自己的名字以图流芳百世，1791年2月份伯爵夫人不幸去世，悲痛之余伯爵想到应当有一部作品在亡妻一周年时演出，于是他就叫仆人跑腿向莫扎特约稿，不管怎样他总算如愿以偿地在历史上留下了姓名，现在我们知道如果没有这个贵族的馊主意莫扎特也许不会那么早早的死去。莫扎特当时的身体情况非常糟糕，病中的人容易产生宿命感或是许多健康人所不理解的怪念头，莫扎特有一种不祥的预感，那黑衣人就是索命的冥间使者，而《安魂曲》将是自己的临终绝笔。莫扎特曾经询问过黑衣人他所代表的委托人到底是谁？莱特杰普警告莫扎特不要乱打听，因为那位委托人不愿暴露自己的身份，这无法理解的解释当然令莫扎特更加过敏，于他加倍相信这神秘的使者来自冥冥之中。这个穿灰色衣服的神秘人物使莫扎特六神无主,作品没有写完就去世了.《安魂曲》由他的学生苏斯迈尔续完。

人们热衷于《安魂曲》的原因更多是出于猎奇，在上百种有关莫扎特死因的谣传中其中一个最普遍的说法是莫扎特的对手萨里耶利派人（那个神秘的黑衣人）约莫扎特作曲，在重病之中使他不得休息，最后导致了莫扎特的早夭。

古典主义时期的音乐家我们还要知道一位，那就是被称为“乐圣”的贝多芬，他被后人称为衔接古典主义与浪漫主义的桥梁。他最被人们熟知的合唱作品就是他的《第九交响曲》（欢乐颂）。贝多芬的d小调第九交响曲写作于1823年，完成于1824年，全曲共分4个乐章。这是贝多芬一生中的最后一首交响曲，在这首交响曲中的最后一个乐章（第四乐章）中，贝多芬首次联合了合唱团与管弦乐团，为历来在交响乐上的创举，因此这首第九号交响曲又称为“合唱交响曲”。合唱部分所用歌词是德国诗人席勒在1785年所写的诗歌《欢乐颂》。 而这由贝多芬所谱曲的音乐（不包含文字）成为了现今欧盟的盟歌。等我们练习合唱的时候我们要来学唱这首世界著名的合唱曲。现在先听一听《欢乐颂》。我们看到的视频是指挥：二十世纪世界著名指挥大师赫伯特·冯·卡拉扬。卡拉扬从1955年起担任柏林爱乐乐团的艺术指导，经过十几年的努力，卡拉扬和这个乐团在世界乐坛上占据了极其重要的地位，这首《欢乐颂》正是由柏林爱乐交响乐团演奏，合唱是维也纳合唱团。1984年录制。

《合唱幻想曲》的介绍 

作品由紧凑的三个部分组成，既有奏鸣曲式的结构，又有变奏曲式的风格；既不是纯粹的钢琴协奏，也不是管弦乐与人声的交响合唱，而是钢琴、人声、管弦乐三位一体的即兴幻想曲。

整个乐曲从简单朴素的主题到多变的节奏以及整个乐曲的恢宏气势，使人联想到贝多芬的《第九交响曲》最后的合唱乐章。
五、浪漫主义时期100多年19到20初 

浪漫主义音乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。

此时的声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音使用，和弦以及半音法和   转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。

早期浪漫主义音乐派的代表人物舒伯特的创作中心是艺术歌曲，他的《野玫瑰》、《鳟鱼》、《菩提树》等歌曲，后来都成为广泛流传的民歌。下面我们就来欣赏《菩提  树》。

蓝色多瑙河圆舞曲，奥地利著名作曲家，被誉为“圆舞曲之王”的小约翰·施特劳斯创作于1866年，作品第314号，被称为“奥地利的第二国歌”。原为一首由乐队伴奏的男声合唱,后去掉人声,成为一首独立的管弦乐曲.由小序曲、五段小圆舞曲及一个较长大的尾声（部分再现前面主要的音乐主题）连续演奏而成。乐曲以典型的三拍子圆舞曲节奏贯穿，音乐主题优美动听，节奏明快而富于弹性，体现出华丽、高雅的格调。

六、二十世纪合唱音乐

二十世纪全球最大的几个历史事件，其中之一就是二次世界大战爆发，社会动荡、社会矛盾加剧，后来的经济危机给世界带来了不安、紧张、恐慌的情绪。同时随着社会的发展，科技技术突飞猛进的给音乐带来了脱变，（新音响的试验及电子音乐的兴起）。个人主义得到充分发展，这表现在作曲家追求标新立异，产生了各种流派。

我们所听说过的印象主义、表现主义、新古典主义、民族主义、都是二十世纪诞生的音乐。说了这么多可能大家有些糊涂了，下面我跟大家介绍下20世纪最好听的合唱曲之一《布兰诗歌》。

先给大家介绍下《布兰诗歌》诞生的背景。

在德国慕尼黑南部阿尔卑斯山谷中上巴伐利亚州的小镇叫贝内迪克特，有一所始建于公元740年的古老修道院－－布兰修道院。由于偏僻和隐秘，很少受到战乱和其它天灾人祸的破坏，因而保存着许多具有重要价值的历史文献。1903年，考古学家在这所修道院中发现了大量中世纪诗歌和戏剧古卷，其创作时间大约在11至13世纪，在内容上可以分为宗教和世俗两类，其中的两百多首作者不详的世俗诗歌经巴伐利亚的学者整理出版，这就是《Carmina Burana 布兰诗歌》。

　　这些大部分用拉丁文写成的诗歌显然出自神职人员和落魄文人以及流浪学生的手笔，其中蕴含的放荡不羁的精神和对放浪形骸的生活方式的赞美以及对封建社会的无情嘲讽都令人惊讶。毫无疑问，这些被称作"中世纪的拉丁抒情诗"的作品出现在以基督教文化为中心的时代，不能不说是一个奇迹。

　　1935年，德国的奥尔夫读到了这部诗集，这使一生从事音乐教育工作的奥尔夫，在时空的某一个点上找到了过去与现在的联系。他的冲动，在阅读完这本诗集后，形成了一种对人类与自身命运的思考。因此冲动而成就的这一部"为独唱者、合唱队、器乐伴奏和魔幻布景而作的世俗歌曲"，他将它称为"情景康塔塔"，并且要求以舞台作品的方式演出。《布兰诗歌》也称为 《博伊伦之歌》，原是舞台作品 《凯旋三部曲》中的第一部，作于1935—1936年， 1937年初演于法兰克福，后作为康塔塔单独演出， 是奥尔夫最著名的代表作。用女高音、男高音、男低音、童声合唱、合唱及乐队.

    歌词用拉丁文，演出时有哑剧动作，伴有丑角和舞蹈场面。 此曲写作手法简单,摒弃了常用的对位、主题发展、变奏等,而是用同度，八度，三度的声部进行，句段多重复， 是一部音效极佳的作品， 现在经常被影视作品所引用。

在多半是艰涩难懂的20世纪严肃音乐中，《Carmina Burana 布兰诗歌》的纯朴、生动显得很不合群。但我想它也许是本世纪最好听的合唱曲之一了。该音乐也被希特勒融合于军歌中，就是著名的《党卫军第一装甲军进行曲》.

   这是德国的柏林爱乐厅，小泽征尔指挥的柏林爱乐乐团演奏的奥尔夫-《布兰诗歌》：噢，命运女神！小泽征尔是指挥界中出名的“大动作”指挥家，他很善于利用自己突出的形体动作来诱发和引导乐队队员的音乐表现力。是前面讲到的著名指挥卡拉扬的学生。

在当代乐坛还有一位著名的音乐家我向大家介绍，他就是安德鲁 劳伊德 韦伯1948年生于英国伦敦的索斯堪辛顿的一个音乐世家。他的父亲是皇家音乐学院钢琴教授，母亲是小提琴家，祖父是男高音歌唱家，弟弟是当今颇有声望的大提琴家。他的姨妈则是话剧演员，良好的家庭氛围为韦伯创作提供了有利的环境。

歌剧魅影（The Phantom of the Opera）是一部安德鲁·劳埃德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）作曲的百老汇音乐剧。

又译：歌声魅影、剧院魅影或歌剧院的幽灵。原著：《歌剧幽灵》

1986年首演，于1988年获得七项托尼奖，是史上最成功的音乐剧之一。1986年伦敦的首演由麦克尔•克劳福德和莎拉•布莱特曼担任男女主角，至今全球已有16个制作版本

剧院魅影可以说是一部折射着后现代魅力的剧作，首先它成功的改编了盖斯东·勒鲁的原作小说，既保留了原作的风格又使之更适合舞台演出，提升了作品的可看性，其次，巧妙的戏中戏令观众徘徊于现实与虚幻之间。尤其是追逐幽灵的那一场戏，整个剧院，台上台下、四面八方响起了幽灵的声音，使观众置身其中，因为那句“我在这里”似乎就在他们的身边，就在隔壁的包厢，而那幕吊灯突然坠落的戏也着实令气氛紧张刺激到极点，前排观众的惊叫与台上演员的呼声连成一片，在这方面，舞台设计玛莉亚·布琼森自然功不可没。

莎拉·布莱曼是英国跨界音乐女高音歌手和演员。1981年，布莱曼参加的当时音乐剧《猫》的面试，结果刚刚开口唱了两句就被打断了。有人通知她：该剧作曲安德鲁·洛伊·韦伯请她第二天到家里去面谈。21岁的布莱曼自然知道这次会面对自己的重要性。为了显示自己符合剧组招聘要求中“与众不同”的要求，她把自己精心打扮了一番，从上到下一身碧绿，还弄了个蓝色的莫希干头，就这样出现在韦伯面前，演唱了韦伯在1976年的作品《阿根廷别为我哭泣》。几个月之后，她获得了杰米玛这一角色。

莎拉·布莱曼在韦伯的《歌剧魅影》中扮演克莉丝汀，这一角色是韦伯为她量身定制的，并坚持由布莱曼出演，后来当该剧登陆美国百老汇演出时，美国方面以知名度为由要求替换布莱曼，韦伯为了让布莱曼继续出演，甚至威胁停止上演该剧，最终，两方达成了妥协。

莎拉·布莱曼她的嗓音嘹亮，被誉为天籁之声，创造了女人所未曾创造过的成绩——她是第一位同时登上跨国流行、古典和跨界音乐最高地位的女性。

从中文合唱发展的历史可以看出，合唱艺术在社会发展的进程中有着不可估量的潜在动力，对人们的精神生活有着强大而潜移默化的渗透力，在各种艺术活动形式中，它最容易被人民大众所吸引，男女老少参与面最广，人数也最多，因而它成为了最具有亲和力的群体艺术。之所以具有如此大的魅力，是因为合唱艺术活动具有许多特点。合唱这一音乐形式,在经历了一千多年漫长的发展历史后,为我们留下了无数珍贵的艺术瑰宝。由于课时的关系世界合唱史就先介绍到这里，如果以后还有机会我会把更多更好听的国外的音乐作品拿来跟大家分享。